La historia de la humanidad con 15 millones de piezas Lego

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Exposición para toda la familia la historia de la humanidad a partir de 1,5 millones de piezas "Lego".

El museo arqueológico Helms de la ciudad alemana de Hamburgo (norte) recrea a partir de hoy en una exposición para toda la familia la historia de la humanidad, hecha con piezas de Lego. La muestra, que llevo por título "Viaje por el tiempo de lego", ilustra en 30 metros doce paisajes que abarcan desde un campamento neandertal hasta una estación espacial, pasando por la Antigua Roma, con sus romanos y gladiadores de lego.

Para construir los paisajes, que ya pudieron verse anteriormente en el Museo Neandertal de Mettmann (oeste), sus constructores han tenido que invertir cinco meses. La exposición, que sucede a la exitosa muestra sobre la Edad de Hielo, reproduce detallados escenarios de la historia de la humanidad con los populares bloques de plástico de Lego.

Así, el visitante puede ver a los hombres de la prehistoria a la caza del mamut, a los gladiadores luchar en la arena y a los colonos americanos conducir a sus rebaños por las llanuras. Entre las diversas maquetas realizadas figuran paisajes como los Jardines Colgantes de Babilonia, la Gran Pirámide de Guiza y la Gran Muralla china, así como modelos de barcos vikingos, castillos de la Edad Media y naves espaciales.

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Esta exposición se complementa con objetos originales de la colección del museo arqueológico para ilustrar los diferentes espacios recreados, como un bifaz (hacha de piedra) de un cazador de mamuts, tablillas cuneiformes de Meosopotamia, cerámica del Egipto de los faraones y puntas de flechas de indios de Norteamérica. 

[Para ver más fotos sobre la historia con Lego, visita la noticia en Público.es] La muestra, que podrá verse hasta el 31 de enero de 2013, incluye también un espacio para que los niños puedan dar rienda suelta a su imaginación con piezas de Lego. 

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Fuente: La Razón

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Seis meses y 10 países con el lápiz en la mochila

'Illustration around the world' es un proyecto creado por el argentino Pablo Ientile.

Hace ya más de un año comenzaba la andadura de Pablo Ientile. Con una mochila cargada de curiosidad, ganas de aprender y muchos lápices este argentino se embarcaba en una excitante aventura y nacía Illustration around the world, una apuesta por el arte a través del mundo.

La idea de Pablo nace de un par de preguntas sencillas: ¿cuántos ilustradores habrá ahí fuera que estarán en la misma situación que yo? Pero no solamente en Madrid o en Berlín, sino también en Los Ángeles o Kuala Lumpur. ¿Y si en vez de dibujar solo en mi casa me voy a dibujar con ellos?

Y así comenzó un proyecto que ha consistido en viajar por Asia durante seis meses con el propósito de crear un diario de viaje ilustrado a partir de las más variopintas vivencias.

Un intercambio El personaje principal de Illustration around the world cuenta en promera persona en las viñetas sus experiencias y su afán por conocer a ilustradores alrededor del mundo. Mientras, las partes en las que diferentes ilustradores se ven envolucrados con la histoira de Pablo están dibujadas y descritas por ellos mismos. El aprendizaje se nutre así del intercambio de experiencias entre los artistas, y para que éste fuera aún más rico Pablo visitó diferentes escuelas de diseño e ilustración donde compartir tanto su trabajo como la intención de este viaje. El resultado finalmente es un diario del viaje que evoluciona a medida que el viaje se desarrolla. Una historia con un principio, pero sin ningún final. La primera parte de este proyecto se ha llevado a cabo en 10 países difrentes de Asia y ha durado seis meses. 

Ésta ha sido la agenda-itinerario de Pablo: Kuala Lumpur: 15/09 - 20/09 Japan: 20/09 - 18/10 Korea del Sur: 18/10 - 05/11 China: 05/11 - 30/11 Taiwan: 30/11 - 15/12 Filipinas: 15/12 - 05/01 Tailandia: 05/01 - 25/01 Hong Kong: 25/01 - 05/02 Malasia / Singapur: 05/02 - 23/02 Indonesia: 23/02 - 17/03 

Pablo ientile nació en Buenos Aires, Argentina. En 1998 se mudó con su familia a Alemania, donde hizo sus estudios como diseñador gráfico e ilustrador. En 2006 se transladó a Madrid, donde ha trabajado para diferentes empresas de producción audiovisual haciendo gráficos en movimiento. También ha expuesto su trabajo en la capital el año pasado, y además de Illustration around the world tiene otro proyecto colectivo con otros ilustradores llamado Pabloientile cumple... Actualmente vive entre Madrid y Berlín. El proyecto Illustration around the world se presentará en la próxima edición de Nómada market.

Siente el movimiento, que se celebra en el ático de la estación de chamartín en Madrid los próximos días 5, 6 y 7 de octubre. El sábado 6 a las 19.30 horas Pablo Ientile contará además en una conferencia los mejores momentos de su experiencia en Asia. 

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Fuente: La Información

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El salto más largo de Nureyev, escapando de Rusia

Escapó corriendo en la pista del aeropuerto parisino de La Bourget para evitar volver a Moscú y para convertirse en leyenda.

Rudolf Nureyev era un prometedor bailarín del Kirov cuando el 17 de junio de 1961 dio una doble pirueta a su vida al desertar de la Unión Soviética y pedir asilo político en Francia. «Quiero ser libre» gritó en inglés mientras se escapaba corriendo por la pista del aeropuerto parisino de Le Bourget para refugiarse detrás de dos policías franceses.

Al joven bailarín, que tenía entonces 23 años, le había comunicado poco antes el director del Ballet Kirov que él no iba a continuar la gira que tanto éxito había cosechado con «La bella durmiente» en París. El resto de la compañía viajaría a Londres, pero él debería regresar a Moscú en un Tupolev. «Lo comprendí todo en el acto: jamás me dejarían volver a Europa, yo era una cabeza muy dura impropia para la exportación y tendría que quedarme en Rusia, castigado y oscurecido», recordaba Nureyev.

El artista no solo había destacado hasta entonces por sus cualidades. Su interés por aprender inglés, por asistir a representaciones de compañías de danza extranjeras y frecuentar a los artistas que viajaban a la Unión Soviética, su ausencia en los cursos de instrucción política le originaban continuos problemas con las autoridades. Por su rebeldía e inconformismo había sido sancionado con no poder bailar ante los miembros del Gobierno ni viajar al extranjero... hasta aquel junio de hace 50 años en que pasaría a convertirse en un símbolo de la libertad. «Fue el salto más grande de toda mi vida», afirmó después el bailarín.

«Abandoné mi país sencillamente por falta de oxígeno, para redescubrir el sentido de la perspectiva que todo artista necesita si pretende continuar dando lo mejor de sí mismo», comentó Nureyev años después de su cinematográfica huida. Aquel día su nombre fue borrado de la historia de la danza rusa y nació un mito en Occidente, donde está considerado como el bailarín más relevante del siglo XX junto a Nijinski. Hasta 1987 no se le permitió volver a Rusia cuando gracias a una invitación personal de Gorbachov pudo visitar a su madre enferma y hasta 1989 no volvió a pisar el escenario del Kirov para bailar «La Sílfide». Una figura irrepetible de la danza Solo tenía 36 francos en el bolsillo cuando «volvió a nacer» en París, pero apenas una semana después volvía a bailar en la compañía del marqués de Cuevas. 

Después viajaría a Dinamarca y conocería a su admirado Erik Bruhn y a Margot Fonteyn, la gran estrella de la danza británica que entonces tenía 42 años. Con ella formaría la pareja más relevante del ballet mundial de 1962 a 1977. «Él no era simplemente un bailarín, sino la danza misma», dijo Fonteyn de él. La pareja escribiría algunas de las mejores páginas de la historia de la danza con su «Margarita y Armando», su «Romeo y Julieta», su «Lago de los cisnes» o el paso a dos de «El corsario». Nureyev trabajó con coreógrafos como Roland Petit, Maurice Béjart, Martha Graham o George Balanchine, llegó a protagonizar una película de Ken Russell sobre Rodolfo Valentino y se dejó seducir por la música en su última etapa como director de orquesta. Su difícil carácter le acompañó hasta el final y le provocó sonoros enfrentamientos en su etapa de director del ballet de la Ópera de París. 

El genial artista nacido en 1938 en un vagón de tren a quien su severo padre quiso convertir en militar como él falleció de sida en París el 6 de enero de 1993 dejando un hueco insustituible en la danza clásica. 

«Tal vez sea a Nureyev a quien más le debamos los bailarines la posibilidad de ser algo más en el escenario que el «partenaire» de la primera bailarina. Rudolf nos dio esa posibilidad, no solo a través de su enorme talento, sino también por su personalidad y carisma sobre el escenario. ¿Qué bailarín no se ha mirado alguna vez en ese espejo y ha deseado tener una carrera tan brillánte? Rudolf es un símbolo para todos nosotros. Todavía me emociona su corajuda decisión de traspasar toda frontera geográfica, política e ideológia y su ansia de libertad. Esa misma libertad que lo hacía un pájaro sobre el escenario», escribió el bailarín Julio Bocca en ABC tras conocer su muerte. Tenía 54 años. Está enterrado en el cementerio de Sainte-Geneviève-des-Bois, a las afueras de París. 

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Fuente: ABC

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Once pensamientos que dan la felicidad

Buceamos de nuevo en el libro «Qué razón tenía Platón...», para compartir el verdadero bien del hombre: la felicidad.

1. La felicidad es interior, no exterior; por tanto, no depende de lo que tenemos, sino de lo que somos (Henry Van Dyke). 

2. La suprema felicidad de la vida es saber que eres amado por ti mismo o, más exactamente, a pesar de ti mismo (Victor Hugo). 

3. La clase de felicidad que necesito es menos hacer lo que quiero que no hacer lo que no quiero (Jean-Jacques Rousseau) 

4. Desciende a las profundidades de ti mismo, y logra ver tu alma buena. La felicidad la hace solamente uno mismo con la buena conducta (Sócrates). 

5. Mi felicidad consiste en que sé apreciar lo que tengo y no deseo con exceso lo que no tengo (Leon Tolstói). 

6. La felicidad no es hacer lo que uno quiere, sino querer lo que uno hace (Jean-Paul Sartre). 

7. Solo hay un bien: el conocimiento; solo hay un mal: la ignorancia (Sócrates) 

8. No hay deber que descuidemos tanto como el deber de ser felices (Robert Louis Stevenson) 

9. La verdadera felicidad consiste en hacer el bien (Aristóteles) 

10. El corazón alegre hace tanto bien como el mejor medicamento (Salomón) 

«Qué razón tenía Platón...» (Espasa) cuando sostenía -como expone Miguel@ifilosofia en su magnífico libro sobre 1001 pensamientos para triunfar en la vida- que la felicidad consiste en el equilibrio entre las tres partes del alma: «Con el alma racional debemos acceder a la sabiduría y a la justicia; el alma irascible nos debe proporcionar fortaleza de ánimo, y el alma concupiscible, moderación o templanza en los deseos materiales». Si se equilibran esas tres partes del alma se gozará de una vida en armonía. 

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Fuente: ABC

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El Gobierno quiere ley de mecenazgo para antes de fin de año

El PP quiere que la norma se aplique al comienzo del próximo año fiscal, el 1 de enero de 2013.

El Gobierno del PP quiere resolver la cuestión del mecenazgo privado de la cultura y establecer el trato fiscal que garantizaría su efectividad; una vieja asignatura pendiente −nunca satisfactoriamente resuelta– que ahora, en el contexto de los recortes presupuestarios y el fin de las subvenciones, aparece como una tabla de salvación. Para que "el abrazo brutal y despiadado de la crisis no ahogue ni frustre el talento que hay en España", el secretario de Estado de Cultura, José María Lassalle, ha anunciado que antes del verano, o como mucho en otoño, habrá una nueva ley del mecenazgo y, citando al pensador francés Marc Fumaroli, ha asegurado que quebrará el "monopolio que detenta el Estado desde la segunda mitad del siglo XX".

La comisión delegada de Asuntos Culturales, que preside la vicepresidenta del Gobierno, Soraya Sáenz de Santamaría, tiene previsto aprobar el miércoles el borrador del proyecto de Ley de Participación Social y Mecenazgo, que entre otras cosas aumentará considerablemente el porcentaje de desgravación por inversión en la cultura. Tanto si se aprueba en junio como si se hace en septiembre, la intención es que la ley pueda aplicarse a partir del comienzo del próximo año fiscal, el 1 de enero de 2013. La norma contempla la creación de un Consejo Estatal de Mecenazgo.

La ley 49/2002 que actualmente regula el mecenazgo permite a los particulares desgravar hasta un 25% de IRPF de lo aportado a instituciones artísticas; en el caso de las empresas, la parte del impuesto de sociedades devuelta llega hasta el 35%. El modelo francés, aprobado en 2004, y citado hoy por Lassalle en su conferencia en La Pedrera, contempla desgravaciones de entre el 60% y el 70%, lo que ha permitido al país vecino pasar de una recaudación de 150 millones de euros en 2004 a 683 millones en 2011.

No ha querido, sin embargo, Lassalle desvelar qué porcentajes de desgravación fiscal contempla el proyecto de ley que aprobará el miércoles el Ejecutivo, lo que permite sospechar que Hacienda —como ha hecho en todos los intentos de articular el mecenazgo anteriores— está presionando a la baja para quedar lejos del modelo francés. Una sospecha que más de uno de los presentes hoy en La Pedrera han hecho pública, como el consejero de Cultura de la Generalitat, Ferran Mascarell que ha alentado a "no hacerse ilusiones" porque, ha asegurado, todos los intentos anteriores han chocado con la negativa del correspondiente ministro de Hacienda. A lo largo de su conferencia, titulada Cultura de mecenazgo y participación social, Lassalle ha insistido en que el mecenazgo "no persigue privatizar la Cultura" porque sólo se concibe como "un instrumento complementario y nunca sustitutorio de la labor de las administraciones públicas". La futura ley, ha explicado, no sólo se dirige a las corporaciones y las grandes fortunas, sino que también busca la complicidad de los ciudadanos de a pie con la creación cultural, para los que podría crearse la figura del "micromecenazgo", que permite que las personas físicas disfruten de deducciones fiscales. 

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Fuente: El País

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Treinta y tres artistas donan sus obras a beneficio de pacientes con Alzheimer

Antonio López y otros siete premios nacionales de artes plásticas participan en la puja.

En una iniciativa poco común, 33 artistas vivos han donado una de sus obras para una subasta benéfica que tuvo lugar en Madrid en favor de los pacientes con alzhéimer y otras enfermedades avanzadas. La puja fue encomendada a Fernando Durán Subastas y tuvo lugar el miércoles 9 de mayo.

 Entre los artistas que han donado una de sus obras a la Fundación Vianorte-Laguna -algunas de ellas originales para la subasta- figuran Antonio López, Canogar, Chirino y Feito, entre otros muy cotizados en la actualidad. La puja reunió ocho galardonados con el Premio Nacional de Artes Plásticas (Antonio López, Luis Gordillo o Rafael Canogar entre otros) y prestigiosos jóvenes artistas como Miguel Ángel Tornero (Primer Premio ABC de Fotografía), Miki Leal o Philipp Fröhlich.

Los fondos de la subasta de las 33 obras se destinarán de modo íntegro a la citada Fundación, que cuida en Madrid de personas con enfermedades en fase avanzada y mayores con Alzheimer. Las obras -expuestas bajo el lema «Un papel para el recuerdo»- permanecieron expuestas en la sede de Fernando Durán hasta el momento de la subasta. 

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Fuente: ABC

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Los niños pobres de Camboya hacen su propio Circo del Sol

Les rescataron de las calles y de las redes de prostitución infantil.

Seang Volak era una niña cuando sus padres, granjeros sin recursos, cedieron ante la presión de los nuevos terratenientes locales y abandonaron su hogar. “Tuvimos que dejar nuestra casa. Mis hermanos mayores se fueron a Phnom Penh [capital de Camboya] y yo me puse a trabajar como camarera”, relata Volak.

Durante meses mantuvo a sus progenitores y dos sobrinos con menos de 50 dólares de sueldo. Por eso, cuando le propusieron sacarse un extra saliendo “de fiesta con extranjeros”, no se lo pensó. “Podía ganar 100 dólares en una noche”, asegura ingenuamente la menor, que cayó en manos de una red de trata de personas, desarticulada hace ahora un año.

La rescataron de la calle, donde había ido a parar tras ser engañada por un turista que le prometió sacarla de la indigencia. Ahora, a sus 17 años, busca un futuro con el Circo del Sol de los pobres.

De la calle a famosos artistas

No hay tigres, ni leones; tampoco elefantes, osos, ni domadores. Pero nada de eso importa cuando se encienden los focos del pequeño teatro en Battabang y el presentador anuncia en inglés que la sesión va a comenzar. “Pasen y vean. Bienvenidos al mayor espectáculo del mundo: el circo”. Bajo la carpa, una veintena de turistas esperan ansiosos para ver aquello de lo que les hablaron al llegar a Battabang, la ciudad bañada por el Tonlé Sap que late en el corazón de Camboya. En la grada, Patricia y Sara, cooperantes españolas que acaban de terminar una maratoniana jornada de templos y pagodas. “Nos han hablado muy bien de este espectáculo”, afirman. La música cesa, la luz se atenúa y cuatro jóvenes aparecen en escena dando volteretas imposibles. Son el primer número de la media docena que ha preparado la ONG Phare Ponleu Selpak –la alegría del arte- (PPS), cuya representación circense es ya uno de los atractivos más singulares del sudeste asiático. Compromiso con la sociedad Gracias a la asistencia técnica y económica de escuelas de circo francesas, entre ellas el Circo del Sol, el grupo de la pequeña localidad de Anch Anh inició su andadura profesional en 1998, con una treintena de artistas. Entre ellos figuraban siete niños rescatados de las redes de la prostitución y acogidos en el orfanato de la asociación. Sus espectáculos, más allá del entretenimiento, tienen una clara vocación pedagógica. “Con las actuaciones damos información sobre el sida, las drogas, la higiene o las minas antipersona”, explica Sun Srey, educador y exalumno del centro, quien asegura que la finalidad de la ONG es “ofrecer alternativas a los adolescentes, para que éstos se comprometan con la sociedad en la que viven”. Para Vichet Sanghá, clown y malabarista, el circo y sus compañeros le ayudan “a ser mejor cada día”. “Aquí he aprendido a respetar a los demás; me gusta lo que hago y gano dinero para mi familia”. Dos de sus hermanos también acuden cada día al centro creado por Khuon Det, antiguo gimnasta y profesor de artes marciales, que tras la dictadura de los jemeres rojos impartía talleres de dibujo en un campo de refugiados en Tailandia. Era el año 1986. Proyecto completo en busca del desarrollo personal La experiencia continuó tras la vuelta de los exiliados a Camboya, bajo el impulso de aquellos siete jóvenes y del propio Khuon Det, fundador de PPS. “Tras adquirir un terreno en Anh Chanh, diversificaron las actividades y al dibujo se le fueron uniendo la música, el circo, una biblioteca y muchas otras actividades”, explica Collet Dunoir, uno de los voluntarios franceses que ayudan en la alfabetización de los chicos. “Sacamos a los niños de la calle, del círculo de violencia y conflicto con la ley en los que crecen en Anh Chanh”, asevera Collet, quien insiste en que el circo es una herramienta de “desarrollo personal”, “inserción” y, por supuesto, “comunicación”. 

Cham Khunly es uno de los casos más significativos. Hace apenas año y medio no sabía leer ni escribir, había perdido una pierna tras pisar una mina y estaba sumida en una severa depresión. Hoy, gracias al trabajo de los trabajadores sociales y psicólogos que colaboran con la ONG, es una de las jóvenes más prometedoras del taller de videoanimación. Su puesto en el Circo del Sol de los pobres está entre bastidores. Junto a ella, otras dos adolescentes camboyanas revisan el montaje que acompaña a la representación, imágenes que evocan un pasado de sangre y devastación. También de esperanza. Y es que, por su ubicación, el ejército regular de Phnom Penh instaló en Battambang un centro de operaciones de primer orden en 1990, para combatir a las guerrillas que trataban de infiltrarse en la zona central del país. En represalia por la presencia militar, los jemeres rojos atacaban periódicamente la ciudad, que durante años estuvo aislada. “Con el inicio de las conversaciones de paz en 1998, el clima de inseguridad fue desapareciendo, se rehabilitó la carretera de acceso al municipio y se potenció nuestro rico patrimonio cultural”, arguye Sovanny Lon, educadora y pedagoga. En medio de la nada En esta metamorfosis fue decisivo el papel de la Escuela de Circo, que ha rescatado del abismo a cientos de niños que ahora entrenan con esfuerzo e ilusión en disciplinas como las acrobacias, los malabares, el equilibrio, el contorsionismo o el trapecio. “Con ganas y sacrificio, eres capaz de hacer cosas que parecen imposibles”, señala Rasy Chenng, de 21 años, una de las estrellas del espectáculo que PPS prepara para el otoño, cuando el grupo iniciará una gira que recorrerá Asia y posiblemente Europa en 2013. Ha pasado una hora y cuarto, en un suspiro. El público no ha parado de aplaudir. “No esperábamos ver algo así en medio de la nada”, reconoce Lucy, una aventurera australiana de paso en Battambang. A su lado, una familia khemer, quizá de las pocas que pueden pagar los 8 euros que cuesta la sesión, que incluye una visita a las instalaciones, talleres y espacios expositivos de la ONG. Lo mejor, sin embargo, está por llegar. Un joven sonriente y musculoso ejecuta el más difícil todavía. Un triple mortal a casi diez metros del suelo. Más aplausos. Es el colofón perfecto, el punto y final que deja a quien escribe boquiabierto, emocionado y encantado de comprobar que la magia del circo es universal. Pasen y vean. 

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Fuente: La Información

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"Enganchados al arte", el proyecto que sustituye las drogas por el lienzo

"El arte es un instrumento terapéutico eficaz para iniciar la relación entre el mundo y uno mismo".

El Museo Nacional de Artes Decorativas (MNAD) de Madrid inauguró el pasado jueves una exposición que recoge una veintena de obras realizadas por los participantes del Centro de Abierto de Cruz Roja para personas drogodependientes.

Jarrones decorados, cientos de manos de colores, la reproducción de una cocina... Estamos en una sala de arte pero en una que no sólo persigue el deleite de quien contempla si no la inserción en la sociedad del artista.

Desde el jueves el Museo Nacional de Artes Decorativas (MNAD) de Madrid acoge una veintena de obras basadas en las reinterpretaciones que los participantes del Centro de Abierto de Cruz Roja han realizado sobre las colecciones del MNAD vinculadas al concepto de hogar, entendiendo éste como un lugar donde cobijarse tanto física como psicológicamente.

"Exponer en el museo nos brinda una oportunidad para mostrar la excelencia de la creación artística como vía de inclusión, crecimiento y salud. La importancia de estar aquí significa una motivación y un reto inmenso para todos nosotros”, afirma, Elena González, pedagoga voluntaria, coordinadora del proyecto.

La iniciativa forma parte del Proyecto “Enganchados al Arte”, fruto del resultado del trabajo de integración y abordaje terapéutico que desarrolla Cruz Roja con el colectivo de personas drogodependientes en situación de exclusión social, y que ya ha tenido experiencias anteriores, como una colección de pinturas que ha sido expuesta en más de una decena de Centros Socioculturales de la ciudad de Madrid.

"El arte es un instrumento terapéutico eficaz para iniciar la relación entre el mundo y uno mismo, ya que a través del él canalizamos emociones, pensamientos, imágenes internas, el mundo inconsciente, simbólico y los acontecimientos de la vida por medio del color y la forma" explican desde Cruz Roja.

Desde ambas instituciones se encuentran encantadas con cómo ha funcionado el proyecto y ya se están planteando, tal y como afirma González, extender la "arteterapia" a otras disciplinas: "seguiremos abordando la integración de estas personas desde los diferentes lenguajes que nos proporciona el arte, ya sea música, plástica, danza o teatro".​

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Fuente: La Información

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Pinterest, la nueva red social que inquieta a las otras

Coleccionar: esta red social ofrece la posibilidad de almacenar cosas -a veces sin ninguna utilidad a futuro- en un espacio virtual que no estorba.

Cuando parecía que estábamos condenados a navegar por internet, hallar cosas interesantes, copiar el link y enviárnoslo por correo electrónico para verlo más tarde, apareció Pinterest, la nueva red social que está poniendo a pensar a Google+.

Con una fórmula simple de "pinchar" (colgar en el corcho) con un botón, el sitio ha atraído a más de 4 millones de usuarios que ya forman parte de la red social.

¿La diferencia con las otras? A pesar de seguir y ser seguido por otros usuarios, la amistad y la vida personal no tienen nada que hacer allí. En Pinterest no se hacen "amigos".

Pinterest es una red social en la que se comparten gustos visuales, basada en las imágenes que suben los usuarios (no en lo que escriben) y que acomodan en tablones de corcho virtuales.

"El sitio demuestra que habrá mucha más innovación en tecnología que permita a los usuarios compartir sus pasiones e intereses. Aunque esto es posible en las mayores plataformas sociales –como Facebook, Google+ y Twitter– aun están por descubrirse más formas de hacerlo", explicó a BBC Mundo el experto en redes sociales, Gabriel Sama.
"Adictivo" y curado

"Uno de los mayores éxitos de la plataforma es que la interfaz es sumamente fácil de usar". Gabriel Sama, experto en redes sociales

Para el acto natural de coleccionar, esta red social ofrece la posibilidad de almacenar cosas -a veces sin ninguna utilidad a futuro- en un espacio virtual que no estorba.

El pasatiempo se ha convertido para muchos en una actividad que hace que permanezcan horas navegando entre sus tablones. El sitio Mashable lo llamó "adictivo".

El 59% de los usuarios, según el sitio de tecnología TechCrunch, son mujeres, jóvenes entre los 25 y 44 años, profesionales de las artes, moda y diseño que generan y "roban" ideas de otros tablones.

Justamente una de las mayores críticas que el sitio ha recibido es que se trata de una red social enfocada a mujeres. Basta con darse una vuelta por sitios como Quora o Twitter para leer ese tipo de comentarios.

Quienes así la ven argumentan que el propio sitio parece promover contenidos que suelen asociarse a un público femenino.

En su página, Pinterest se define como "un sitio que te permite organizar y compartir todas las bellas cosas que encuentras en la web. La gente usa sus tablones para planear sus bodas, decorar sus casas y organizar sus recetas favoritas".

Parte de su atractivo, dicen los expertos, está en su diseño limpio. Una especie de Apple de las redes sociales.

"Uno de los mayores éxitos de la plataforma es que la interfaz es sumamente fácil de usar y logra que las acciones más importantes se realicen sin obstáculos. El diseño limpio, que presenta de forma clara y organizada las colecciones de imágenes, es otro de sus atributos", explico Gabriel Sama a BBC Mundo.

El diseño de Pinterest ha traído a las redes el tema de la curación social de los contenidos.

El bloggero Elad Gil aseguró que "así como la primera ola de redes sociales transformó la manera de consumir información, la nueva ola de curaduría social cambiará fundamentalmente la manera en la que los usuarios encontrarán e interactuarán con el contenido a través del tiempo", en su artículo "Cómo Pinterest transformará la web en 2012: la curación de contenidos sociales es la nueva gran idea".

Pensando Pinterest

Su fórmula es simple: basta "pinchar" las imágenes con un botón para compartirlas inmediatamente.

El sitio no es un recién llegado a la red. Se presentó en abril de 2010 pero ha sido en los últimos meses que su popularidad se disparó de manera exponencial.

En diciembre se colocó en el Top 10 de las redes sociales según Hitwise, la revista Time lo eligió como uno de los 50 mejores sitios de 2011 y se encuentra en el número 28 de los sitios más populares de EE.UU., según la empresa de análisis Alexa.

A pesar de no tener publicidad, Pinterest ha recaudado cerca de US$50 millones y su ritmo de crecimiento aproximado es de 50% al mes.

El 18 de enero, anunció su acuerdo de apps con Facebook por el cual será posible interactuar y "pinchar" en ambas redes.

Con todo esto, las otras redes están empezando a prestar atención.

No es casualidad que en octubre, el sitio de tecnología TechCrunch asegurara que Google está pensando en hacer una oferta de compra.

"Podría tratarse de su primera operación importante en 2012", dicen en los analistas de TechCrunch.

Pinchar y ganar

Navegar, pinchar, copiar y difundir es el principio universal de todas las redes sociales. Sin embargo, Pinterest tiene una característica que lo ha vuelto atractivo no sólo al usuario común, también a las marcas.

"... la curaduría social cambiará fundamentalmente la manera en la que los usuarios encontrarán e interactuaran con el contenido a través del tiempo". Elad Gil, bloguero de tecnología

Los tableros -que están alojados en un servicio gratuito y sin publicidad- se han ido llenando de imágenes obtenidas de sitios comerciales con precio y un enlace a la página original convirtiéndose en auténticas listas de compras por rangos de precios.

En consecuencia, los sitios comerciales han comenzado a recibir cada vez más visitas provenientes de Pinterest. Y eso podría generar dinero.

Los datos de Experian Hitwise revelan que Pinterest es la quinta red social en llevar tráfico referido a otros sitios, detrás de Facebook, YouTube, Twitter y Yahoo.

Por eso las empresas no sólo esperan pasivamente el tráfico, si no que cuelgan sus propias vitrinas virtuales.

"Pinterest es de las comunidades virtuales de mayor crecimiento en el momento. Medios de comunicación como la revista Newsweek han lanzado ya páginas en esta red social", explica Sama.

Así, a la par de sitios como Instagram, SoundCloud y Path, Pinterest podría ser la nueva red social que cambie nuestra manera de compartir.

Sin embargo, desde los noventa más de 200 redes sociales han aparecido en internet. Algunas como Facebook o Twitter han demostrado que son capaces de atraer a cientos de millones de usuarios.

Muchas otras que en un principio fueron un éxito, como Bebo o Gowalla, terminaron desapareciendo o siendo adquiridas por un pez más gordo.

Pinterest tendrá que demostrar si su popularidad inicial puede ser una cosa duradera.

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Fuente: BBC

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J. J. Benítez: «Después de la muerte llega la gran aventura»

Viñeta de Paz & Rudy

«Los evangelistas no lo contaron todo y no lo contaron bien; yo no llego ni a eso».

Profesión: periodista y escritor. Nació: en 1946, en Pamplona. Por qué está aquí: por su novela «Caballo de Troya 9. Caná» (Planeta), el último de la serie.

–Llega a su noveno Caballo de Troya. Ya tiene toda una cuadra...
–Dos cuadras. Son 27 años con los caballos, a galope tendido. Imagínese cómo tengo el trasero.

–Y sus caballos le han hecho rico, como a un marqués de hipódromo...
–Sí, me han hecho rico, pero sólo tengo un premio: el que me dieron de chaval los maristas en Pamplona por asistencia y puntualidad.

–Titula su libro «Caná». Allí, Jesús convirtió el agua en vino...
–En un buen vino, dulcísimo. Y no era judío.

–Dice: «Nada es como nos lo habían contado». O sea, no creáis a los evangelistas, creedme a mí...
–Yo sólo sugiero. Los evangelistas no lo contaron todo y no lo contaron bien; yo no llego ni a eso. No digo que tenga la verdad. Si lo dijera, estaría equivocado. Nadie en este mundo tiene la verdad.

–¿Qué tiene entonces?
–Sólo una historia conmovedora. La que he contado. La vida de Jesús.

–Le van a excomulgar...
–Me he excomulgado yo: ya me borré de la Iglesia, gracias a Dios.

–En el fondo le hubiera gustado ser uno de los evangelistas...
–Sí, por estar allí. Por ver a Jesús y oírle. Jesús es más grande de lo que se ha dicho.

–Dicen que sus libros hacen tambalear los principios. ¿Cree que le creen?
–Eso me dicen los lectores. Y yo intuyo que sí.

–Y usted, ¿se cree lo que escribe?
–Sí, de lo contrario no lo escribiría. Odio a J. J. Benítez, pero soy devoto de algunas de sus ideas: creo en Jesús y en la vida después de la muerte.

–El gran enemigo de la humanidad, dice, es el miedo. ¿Qué teme?
–A las mujeres y a los ordenadores. Temo lo que no entiendo.

–Vive retirado de la vida pública. ¿Vocación tardía de ermitaño?
–Quizá. Veo el mar, estudio, leo, observo y pienso en la muerte. Tengo que prepararme: después de la muerte llega la gran aventura.

–¿Tiene pensado lo que pondrá en su lápida?
–Mi padre hizo poner: «Al fin libre». Yo aún no lo sé...

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Fuente: La Razón

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Miru Kim, una artista que convive desnuda entre cerdos para "despertar conciencias"

La artista surcoreana convive durante cuatro días en una pocilga industrial con cerdos.

La iniciativa «El cerdo que, por tanto, soy» que esta surcoreana ha presentado en la Art Basel de Miami es una reflexión a la íntima relación del ser humano y el animal más consumido por éste.

Miru Kim tiene 30 años y nació en Corea del Sur. Esta consagrada artista ha querido provocar al respetable con una nueva performance que ha desarrollado en el marco de la Feria de Arte de Miami (Art Basel Miami Beach) en el que se expondrán 260 galerías de América del Norte, del Centro y del Sur, Europa, Asia y África, de artistas de los siglos XX y XXI.

Para ello, la surcoreana se ha metido desnuda en una pocilga industrial llena de cerdos durante cuatro días (del 26 al 30 de diciembre) con motivo de la continuación de su obra «El cerdo que, por tanto, soy», que se proyectará en Nueva York.

Mud Bath for Thick Skin, Miru Kim, Łódź Biennale 2010 from Miru Kim on Vimeo

El objetivo de esta iniciativa es el de «despertar conciencias» y provocar una reflexión sobre la relación íntima entre el hombre, piel con piel, con el animal que más consume: el cerdo.

Para ello, Miru Kim, quien ha asegurado que su proyecto «no tiene una intención política», se ha inspirado en el libro «Les cinq sens» («Los cinco sentidos») del filósofo francés Michel Serrés.

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Fuente: ABC

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El abrigo de piel

Sorprendente número de circo donde a una voluntaria le invitan a ponerse un lujoso abrigo de piel. Una buena indirecta para los que se dedican a hacer este tipo de abrigos -y para quienes los compran!-.

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El arte submarino del Mar Negro

Un castillo convertido en galería de arte en Crimea acoge una exposición de pintura realizada por artistas submarinistas en la profundidad del Mar Negro.

Uno de los principales objetivos de la muestra es revelar cómo se ven los colores bajo el agua.

Vea en este video de BBC Mundo cómo es el proceso de creación artísitica submarina.

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Fuente: BBC

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Kate Winslet; extraordinariamente normal

La talentosísima actriz británica Kate Winslet.

"Hay tantas mujeres bellas en el mundo...Cuando me explicaron que no se trataba de cuerpos con medidas imposibles, acepté el trabajo. Solo soy una chica normal"

La mejor actriz de su generación, activista en la lucha contra el autismo, madre entregada y atractiva imagen para firmas como Lancôme. Poco hay de ordinario en la vida de Kate Winslet. Pero ella, que vuelve al cine de la mano de Polanski, está empeñada en demostrar lo contrario.

Una reciente tarde del sofocante verano madrileño, la actriz Kate Winslet estaba sentada en un carísimo sofá de un pequeño y silencioso hotel de lujo. Arrugaba la cara en una mueca imposible. Las cejas juntas, el ceño fruncidísimo, los labios gruesos y las encías a la vista.

"¡Dígamelo sinceramente!", farfulló señalándose las arrugas provocadas por ella misma. "¿A usted le parece que yo me he puesto bótox?"."¿Qué clase de deriva ha tomado la sociedad de las dietas milagrosas y el perpetuo culto a la imagen para que una mujer inteligente, guapa y joven, de apenas 36 años, se sienta obligada, sin que nadie se lo pida, a demostrar que no hay trampa ni cartón quirúrgico en su belleza?".

Winslet carece de respuesta para eso, y a por qué, pese a ser una de las mejores actrices de su generación, ganadora de un Oscar en 2009 por El lector y tras cinco candidaturas anteriores, la prensa se suele perder continuamente en otras disquisiciones. Sobre si está demasiado gorda o demasiado delgada, sobre si las apreturas textiles que luce en alfombras rojas de medio mundo la convierten en un ejemplo orgulloso o en un lamentable adefesio y, en definitiva, sobre otros debates de gran enjundia como los que ensombrecieron su vuelta al cine por partida doble en el Festival de Venecia con Contagio, de Steven Soderbergh, y Un dios salvaje, la adaptación de la obra teatral de Yasmina Reza que además supone el regreso a la escena del atribulado director Roman Polanski.

Aunque a lo mejor esta y el resto de las respuestas encaminadas a transmitir extrema naturalidad en medio de la locura de Hollywood formen parte de su particular lucha contra las convenciones. Su defensa de la belleza natural le ha llevado a denunciar a una revista por asegurar que, obligada por la industria, se tuvo que poner a dieta. También a enfrentarse contra los apóstoles de la clase de irrealidad reconfortante aunque falsa del Photoshop y otras herramientas de retoque de la imagen. Todo ello la ha convertido en víctima predilecta de aquellos que no pueden tolerar que alguien en un negocio tan dependiente de la propia imagen se conforme con lo que le tocó en el reparto universal de dones.

"Nunca he apoyado la clase de falacias que conducen a las mujeres a destrozar sus cuerpos y sus caras, y no voy a empezar a hacerlo ahora", explicó durante la entrevista. "Tenemos la tremenda responsabilidad de conseguir que las imágenes sean reales, porque si las jóvenes se pierden en una fantasía de belleza irreal, desde muy pequeñas aspirarán a ser algo que sencillamente no existe. Un amigo me dijo el otro día, porque yo dejé hace mucho de leer revistas, que había un artículo en una en el que se decía que yo me había atiborrado de bótox. Y me dije: 'Mierda, esto es una auténtica mierda'. Alguien tiene que denunciarlo, porque si no las niñas creerán que es lo que tienen que hacer en cuanto lleguen a los 20 años. Que se tendrán que operar la nariz y paralizar sus gestos en una espiral interminable. No quiero que mi hija crezca pensando de esa manera".

La diatriba quizá choque con el hecho de que Winslet llegase a Madrid como la imagen de una serie de productos de la marca francesa de cosmética de lujo Lancôme, propiedad de la multinacional L'Oréal. En la habitación de al lado, una televisión de plasma que empequeñecería la mayoría de los salones emitía en un interminable bucle el anuncio que Mario Testino rodó en blanco y negro con la actriz británica como protagonista. "Es un fotógrafo increíble. Y detrás de cualquiera de esas instantáneas hay tres horas y media de maquillaje. No me considero una belleza, y por eso nunca presté demasiada atención a los tratamientos de los que ahora soy imagen. Por lo demás, soy como el resto de las mujeres, que intentan sacar el mejor partido a su cara y a sus atributos, que son los que son. Por eso me sorprendió muchísimo resultar elegida. Cuando empezamos, no tenía ningún sentido para mí. Hay tantas mujeres bellas en el mundo... Cuando me explicaron que no se trataba de pieles perfectas y cuerpos con medidas imposibles, me decidí a aceptar el trabajo. Solo soy una chica normal".

Este último y repetido adjetivo es especialmente importante para Winslet. Durante la charla lo usará sin cesar, quién sabe si necesita repetir lo "normal" que se siente para no olvidar que nunca fue sino una chica extraordinariamente dotada para la interpretación que accedió a la profesión siendo aún una adolescente de la mano de Peter Jackson (Criaturas celestiales) y que se hizo mundialmente famosa a su pesar a bordo del fenómeno de taquilla que supuso la película Titanic. Esa tendencia suya resulta tan acusada que hay quien ha visto en ella razones para la parodia; una de las rutinas más exitosas de la cómica británica Katy Grand consiste en una imitación que pinta a la actriz como a una persona histérica y patológicamente obsesionada con resultar aburrida. Alguien que vive una vida exageradamente normal y se lo explica a sí misma continuamente.

Pero ¿qué es la normalidad -concepto tan inasible como, pongamos, el agua- para una estrella de Hollywood que hizo ganar sesenta millones de libras al Reino Unido en 2009, según cálculos gubernamentales? "Es ser capaz de ir de compras al ultramarinos con mis niños", explica Winslet. "Que puedan jugar tranquilos en un parque sin ser importunados por los paparazzi, que seamos capaces de coger el transporte público sin miedo a ser molestados. Que podamos caminar por la calle, tener una existencia normal, vivir una vida normal. Que pueda hacer la colada, que mis hijos puedan hacerla también. Enseñarles a cocinar. La clase de cosas que son normales para cualquiera, no es tan difícil de entender. Y por suerte, ahora que vivo en Nueva York durante el curso escolar pese a que sigo sintiendo que mi hogar es Inglaterra, estoy en condiciones de decir que tengo eso, porque si no lo tuviese, moriría".

Ya ha quedado claro que la familia es un asunto serio para esta hija de actores "sin demasiada fortuna". Casada y divorciada en dos ocasiones (con los directores Jim Threapleton y Sam Mendes, de quien se separó en 2010), es madre de dos niños, una chica de 11 y un chico de siete. Winslet es esa intérprete que declinó participar en una película de Woody Allen para "pasar más tiempo" con ellos. "Para mí es primordial marcar mis propios tiempos, y así lo he hecho últimamente. Es el caso de El lector y Revolutionary road. Se estrenaron al mismo tiempo, pero en medio transcurrió un año de mi vida lejos del cine. Y este año no pienso volver a trabajar. Soy muy afortunada, porque, obviamente, mis hijos son lo más importante de mi vida".

Su condición de madre divorciada, además de interesar enormemente a los tabloides de su país (ahora se cita con un modelo británico, ahora no), podría haberle servido para preparar el papel ("mis motivaciones interpretativas son asuntos muy íntimos", había reconocido sin querer entrar en detalles) que ha vuelto a recordar al mundo que Winslet es antes que nada una actriz extraordinaria. En la miniserie Mildred Pierce de HBO, factoría televisiva de la excelencia, interpreta a un ama de casa que lucha por sacar a su familia adelante en la Gran Depresión. Salida de la pluma del escritor de novela negra James M. Cain, ya tuvo una versión anterior en el clásico de Michael Curtiz Almas sin conciencia (1945), protagonizada por Joan Crawford. El trabajo, otro de los prodigios de dramática contención interpretativa de Winslet, le valió un Emmy en la última edición de los premios, donde, por fortuna para su imagen, fue capaz de contener sus emociones mejor que en anteriores ocasiones; su histérico discurso de aceptación del Oscar hizo correr ríos de tinta en su país, nación, por otra parte, tan dotada para la vergüenza ajena.

Para verla a las órdenes de Roman Polanski, que vuelve a la arena cinematográfica tras la travesía por el desierto penal que supuso su detención en Suiza para responder por la violación de una adolescente a finales de los setenta, habrá que esperar al estreno de Un dios salvaje el 18 de noviembre. En ella encarna a una mujer insatisfecha, que empieza a dejar de ver como inevitables las idiosincrasias de su matrimonio. "Ya empiezo a notar que mis papeles cambian y los guionistas me imaginan en el lugar de una madre que ha estado casada o aún lo está, ¡pero es que eso es lo que soy!", exclama. "Probablemente será un rollo para mis posibilidades profesionales cumplir los cuarenta, pero trato de no pensar en ello tan a menudo. Porque mi carrera continúa creciendo y cambiando y aún me presenta retos. Quizá debería estar preocupada, pero de momento me resulta impensable".

Al contrario que muchos de sus compañeros de profesión, como Almodóvar, Bertrand Tavernier o Wim Wenders, Winslet no salió en defensa del director de La semilla del diablo cuando este fue detenido hace dos años. "Lo único que puedo decir es que me sentiría muy nerviosa por dar opinión pública al respecto", afirma. "Porque creo que es muy peligroso pronunciarse a la ligera en un asunto como ese. Te diría, eso sí, que estaba muy excitada por trabajar con Roman. Lo adoro absolutamente y es una leyenda. Ha resultado ser un hombre completamente increíble, que ha vivido una vida extraordinaria, y no creo que pueda juzgar sus circunstancias, la verdad. Lo que sí puedo es compartir mis experiencias con él como hombre y como director. Fue 100% extraordinario y lo amé absolutamente. Es un padre absolutamente maravilloso con sus hijos. Fue genial verlo. Es gracioso, brillante, ágil incluso a los setenta y tantos, y muy listo. Todos amamos trabajar con él".

Más elocuente se mostrará Winslet con otra clase de defensas. La intérprete ha abanderado la lucha contra el autismo desde que en 2010 fue la narradora del documental, también de la HBO, A mother's courage: talking back to autism, que cuenta las dificultades para la comunicación y para la vida normal de Keli Ericsdottir, un niño islandés aquejado severamente por la enfermedad. Aquella experiencia le "abrió los ojos" a un problema sobre el que ha tratado de llamar la atención con la creación de una fundación (Golden Hat) y la elaboración de un libro con fotografías de famosos tocados con un sombrero, como el cómico Ricky Gervais, la tenista Maria Sharapova, la actriz Naomi Watts o la cantante Christina Aguilera.

"Cuando estuvo terminado, lo vi con mi hija, que me dijo: '¡Dios, mamá, qué afortunadas somos! Imagina que no pudiese hablar contigo, imagina que no fuese capaz de decirte cuánto te quiero, que algo me duele. Imagina que no pudiésemos abrazarnos", explica la actriz para justificar que este no es otro de esos pasatiempos solidarios para llenar el tiempo libre de un famoso aburrido. "Me satisfizo tanto ver que había entendido cuán difícil es para ellos, cuán aislados están los enfermos. Son individuos atrapados en su interior. Así que cuando terminé mi trabajo me di cuenta de que no era suficiente, que tenía que hacer algo más. Antes de hacer este documental no sabía nada sobre el autismo y me di cuenta de que la mayoría de la gente, tampoco. Normalmente lo tememos y nos intimida. Pero la sociedad no sabe qué hacer con los enfermos. Realmente no tiene ni idea. Se debe apostar más por crear un mundo para estos individuos. Es conmovedor observar en el documental a Keli comunicarse por primera vez a los 11 años. Y lo primero que dice es: 'Soy real'. Me siento tremendamente afortunada por tener dos hijos sanos".

La apuesta, entre todos los problemas de este mundo, precisamente por el autismo lo achaca a que "su trabajo consiste básicamente" en expresarse ante los demás, dirá hacia el final de una charla, ansiosa por terminar en Madrid y volver a su vida "normal". Consciente que esta es una de esas veces, pocas veces, en que lo corriente es materia de interés periodístico.

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Fuente: El País

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Payasos de América, por la paz y la dignidad

Bajo el lema 'Por un mundo sin violencia, payasos por la paz' han pedido el fin de la violencia en México.

Payasos de México, Nicaragua, El Salvador, Perú, Honduras, Belice, R. Dominicana y EEUU se han reunido esta semana en México para hablar de lo último en maquillajes, nuevas tendencias en pelucas y trucos de magia. Pero también para exigir con risas paz para el país y dignidad para ellos.

Hasta la decimoquinta Convención Internacional de Payasos, celebrada en el Distrito Federal a lo largo de la semana, han llegado un Superman con bastón y sonda urinaria, la gorda Mujer Maravilla, el payaso Llantón, los de cara blanca (fríos y misteriosos), los vagabundos (con chaquetas rotas y parches en la ropa) o los pícaros (vivos colores, narices grandes y zapatos gigantes).

Junto a ellos, mujeres de largas pestañas verdes, policías de gomaespuma, orondos ancianos de nariz roja y flor que expulsa agua por el ojal, así como un buen puñado de niños que reproducían las muecas de papa y mamá.

La cámara de Saúl Ruiz siguió al payaso Paulín durante las tres horas que tarda en vestirse y en las que contó a ELMUNDO.es cómo ha cambiado esta profesión en 27 años, cuando empezó en la calle, hasta el día de hoy.

La Feria de la Risa, organizada para compartir experiencias entre payasos de todo el continente, ha mostrado lo más novedoso en entretenimiento, parodias y espectáculos. Además, ha acogido un mercadillo con toda clase de trucos, ropa y maquillajes, así como conferencias y actividades para intercambiar y pulir habilidades y "dignificar la noble tarea del payaso", según ha reconocido Tomás Morales, conocido como el payaso Llantón.

No están en nómina del célebre circo Price madrileño, pero el guatemalteco Llantín, el oaxaqueño Pepeto o el defeño Piyoyín provocan una risa espontánea y tierna que no necesita de fuegos de artificio para arrancar carcajadas.

En este congreso, que se celebra desde 2009, los payasos han pasado de reír juntos durante cinco minutos ininterrumpidos a triplicar ese tiempo en 2011 y batir un récord Guinness muy divertido: el de la risa más larga. "Nuestro principal objetivo es hacer reír no sólo al público, sino a nosotros mismos", sostuvo Llantón, reconocido en México y Latinoamérica por su labor en favor de la dignificación de la profesión.

Paralelamente a la convocatoria, más de 400 payasos han salido a la calle y durante algunas horas pasearon sus divertidos colores entre el espantoso tráfico de la capital mexicana. Bajo el lema 'Por un mundo sin violencia, payasos por la paz' han pedido el fin de la violencia para un país que sufre constantes crímenes y asaltos.

"Todo eso lo podemos tapar con una sonrisa, nosotros, los ingenieros de la risa, queremos cambiar este momento", reivindicaba uno de los cientos de payasos que acudieron a la marcha. Todos ellos han posado para una fotografía con la que pretenden cambiar "el bang, bang de las pistolas por el ja,ja,ja de niños y payasos".

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Fuente: El Mundo

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Miguel Ángel escondió mensajes en la Capilla Sixtina

Encerraría mensajes esotéricos que apuntan hacia un código de activación en el cuerpo humano. Miguel Angel; pintor ocultista.

Una de las obras más reconocidas de la historia de la humanidad parece tener un código secreto justamente en el cuerpo de Dios. La Capilla Sixtina pintada por Michelangelo Buonarroti de 1508 a 1512 refleja los años mozos de Miguel Angel, que empezará a diseccionar cadáveres a los 17 años en los cementerios de la iglesia.

Quinientos años después de que las dibujó, sus ilustraciones anatómicas han sido encontradas, pintadas en el techo de la Capilla Sixtina, astutamente ocultas de los Papas e incontables estudiosos religiosos, por siglos -ocultos en su representación de la divinidad. Un nuevo “Código Da Vinci”.

Esto es lo que han descubierto los expertos en neuroanatomía Ian Suk y Rafael Tamargo en un artículo publicado en la revista Neurosurgery.

En 1990, el médico Frank Meshberger publicó un artículo en el Journal of the American Medical Association descifrando que dentro de “Dios Creando a Adán” en el panel central del techo había una ilustración anatómica perfecta del cerebro humano seccionado. Meshberger cree que Miguel Angel cubrió a Dios con un manto representando el cerebro humano para sugerir que Dios dotaba a Adán no sólo con la vida sino con la inteligencia suprema.

Ahora en otro panel “La Separación de la Luz de la Oscuridad “, Suk y Tmarago han encontrado que en centro del pecho de dios y formando su garganta se encuentra una representación precisa de una medual espinal y el tallo cerebral humano.

¿Surge un misterio de 500 años, qué quería decir Miguel Angel al construir la caja torácica de Dios a partir del tallo cerebral del hombre? ¿Es sacrilegio u homenaje?

Críticos de arte desde tiempo atrás se han mistificado por las irregularidades anatómicas en el cuello de Dios y la iluminación discordante del panel. Torpezas casi irreconciliables con la maestría de uno los más grandes anatomistas de la humanidad.

Por esta misma razón Suk y Tamargo argumentan que no se trata de un error sino de un mensaje oculto intencional, ya que en ningún otro sitio se observa un error así, menos de tal torpeza.

Según académicos Miguel Angel también resaltó el riñon en otro sitio de la Capilla, ya que éste tenía especial interés para el pintor que sufría de piedras en el riñon.

Empiezan a surgir las teorías sobre el significado de los mensajes ocultos de Miguel Angel, los albores de una nueva exégesis y conspiración. Se dice que tal vez “La Separación de la Luz de la Oscuridad” se refiera a la lucha entre la ciencia y la religión. En el tiempo que Copérnico había sido denunciado por la iglesia por su heliocentrismo. ¿Tal vez Miguel Angel al incluir la anatomía del hombre en el cuerpo divino, hacía referencia al conocimineto del hombre, a la ciencia capaz de estar al nivel del conocimiento religioso, o incluso por encima de éste?

No es un secreto que Miguel Angel y la Iglesia Católica tuvieron sus desavenencias. El artista fue repelido por la opulencia y corrupción de la Iglesia. Dentro de su obra maestra, en sus dos autorretratos, se autorepresenta torturado. Le dasu rostro al martir San Bartolome, y a la cabez de Holofernes, quien fue seducido por Judith y decapitado.

Aunque devoto, al final de su vida Miguel Angel desarrolló una creencia en el Espiritualismo, condenado por el Papa Pablo IV. El espiritualismo sostiene que el camino a Dios puede ser encontrado no sólo a través de la Iglesia, sino en comunicación directa con Dios. Este Papa interpreto “El Juicio Final” de Miguel Angel como sugiriendo que Jesús y los discipulos se comunicaban directamente con Dios sin necesidad de la Iglesia (¿a través de la glándula pineal?). La pensión de Miguel Angel fue removida; y el mismo pintor prefirio ser enterrado en Florencia y no en el Vaticano.

El Dr. Douglas Field dice que tal vez el significado de la Capilla Sixtina no es el de Dios dando inteligencia a Adán, sino que la inteligencia y la observación (y el órgano que las hace posibles) llevan, sin la necesidad de la Iglesia, directamente a Dios. Y concluye diciendo que la obra de Miguel Angel combina el arte, la ciencia y la religión como un espejo.

Sin duda este nuevo Código Miguel Angel dará mucho de que hablar. Por un lado toca una fibra evidente y sensible: la Iglesia que detenta celosamente las llaves del cielo y la posible rebeldía divina del hombre que se sabe partícipe de la divinidad, sin necesidad de un interfaz. Es posible que Miguel Angel haya sido iniciado y exista una interpretación más esotérica aún. Arrojando conjeturas: quizás Miguel Angel simbolizara al cerebro humano y sus capacidades coartadas y controladas por el Dios de la Iglesia. Después de todo el Vaticano es una especie de mafia de las almas.

Otra interesante teoría nos ubica en la zona de la glándula pineal (que secreta espíritus, según Descartes), el tercer ojo del hombre incrustado en el cuerpo de Dios (también el ojo de Dios en el hombre, el asiento del alma), que al activarlo “abre las puertas del cielo” y es en tradiciones místicas precisamente lo que lleva al hombre a conocer ver a través de los ojos de Dios. Algo que se refuerza con la imagen de Dios y su legión de ángeles en un manto que tiene la forma de un cerebro, el cual con el dedo de la luz apuntando a Adán, parece ser una glándula pineal hiperprotuberante. Interpretamos que el dedo-divino-pineal tocando neuroeléctricamente a Adán significa que el hombre puede acceder a la divinidad, que habita en el cerebro (que dios al hombre en semejanza) activando la glándula pineal. La hiper glándula pineal asombrosamente se representa de forma similar en el film “From Beyond”, en el que unos científicos buscan estimular la glándula pineal con un aparato llamado “the Resonator”, y al hacerlo hacen que se perciban seres de otra dimensión. Hay que recordar que el mismo Vaticano tiene una estatua gigante de un cono de pino, el símbolo de la glándula pineal, en la Plaza de San Pedro y el Papa en su bastón lleva el mismo símbolo (incluso es posible que Miguel Angel no haya ocultado estos símbolos de los verdaderos místicos dentro de la Iglesia). Parecería que la Capilla Sixtina es un mapa de la anatomía que activa el espíritu divino en el hombre. Esto es solo una hipótesis, al momento se aceptan todo tipo de interpretaciones.

Noticia recomendada: Mensajes secretos en la Capilla Sixtina, en diario Público. Por ejemplo, aseguran haber encontrado la letra guímel formada por las figuras de David y Goliath. Este carácter simboliza la fuerza en la cábala, una tradición de conocimientos esotéricos que busca conocimientos ocultos en los textos sagrados judíos.

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Fuente: Pijamasurf

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La rebeldía de Mafalda cumple 47 años

Argentina celebra el aniversario de la tira cómica cuyas frases lapidarias darían la vuelta al mundo. 'Quino' realizó un retrato certero de la clase media argentina de los años 60.

Cuando Joaquín Salvador Lavado, ‘Quino’, publicó la primera tira cómica protagonizada por Mafalda, no podía sospechar que las inocentes pero lapidarias reflexiones de su diminuto alter ego pasarían a la historia. Los argentinos conmemoran esta semana el 47 aniversario de aquella niña que adoraba a Los Beatles y al Pájaro Loco, odiaba la sopa y soñaba con trabajar de intérprete en la ONU para contribuir a la paz mundial, recordando aquel 29 de septiembre de 1964 en el que apareció por primera vez como tira cómica en la revista argentina Primera Plana.

Ingeniosa, irreverente, reflexiva y genial, el éxito de Mafalda subyace en la acertada combinación de simpleza y profundidad que su creador imprimía a cada una de las tiras que publicó a lo largo de su década de existencia, todas ellas caracterizadas por la lógica aplastante de una niña que interpreta el mundo desde la inocencia infantil de sus cuatro años. A través de su trabajo, el caricaturista realizó un retrato certero de la clase media argentina de los años 60, analizando los temas más candentes de la época como la Guerra de Vietnam, la carrera espacial, el emerger del movimiento tercermundista o el asesinato de John F. Kennedy, así como temas universales y vigentes a través del tiempo, como el sexo, los derechos humanos, la represión, el feminismo o la religión.

Objeto de culto tanto en Argentina como en otros países, Mafalda se convirtió en estandarte de la lucha por la igualdad social, un icono tierno y rebelde que realizaba una aguda disección del género humano a través de razonamientos adultos enmarcados en un universo infantil. Un guiño a los estereotipos argentinos con vocación global. Casi medio siglo después de su primera aparición, el personaje más famoso del caricaturista argentino es conocido en todo el mundo y ha sido traducido a 30 idiomas, desde el japonés hasta el griego, pasando por el holandés o el catalán.

Dos años después de su primera publicación, en 1966, Mafalda traspasó su primera frontera para publicarse en Uruguay y, en 1968, cruzó el charco para llegar a Europa y traducirse primera vez a otro idioma: el italiano. A España llegaría en 1970 en forma de libro, pero la censura del gobierno franquista obligó a fijar en la portada una advertencia: “Para adultos”. Su paso al color tendría lugar en Francia con una edición publicada en 1979. Nueve años después de su nacimiento, ‘Quino’ decidió jubilar al personaje que tantas alegrías le proporcionara. El 25 de junio de 1973 se publicó la última tira de Mafalda. Sólo reaparecería 33 años después, el 23 de octubre de 2009, para criticar en el diario italiano La Repubblica las declaraciones misóginas del primer ministro italiano Silvio Berlusconi.

Frases para la historia
-"Paren al mundo, que me quiero bajar"
-"Hoy entré al mundo por la puerta trasera"
-“¿Y no será que en este mundo hay cada vez más gente y menos personas?”
-"Hizo el Papa un nuevo llamado a la paz. Y le dio ocupado como siempre, ¿no?"
-“Muy saludables los nuevos vientos que soplan ¡Lástima ese maldito olor a naftalina!”
-"No es que no haya bondad, lo que pasa es que está de incógnito"
-"Como siempre; apenas uno pone los pies en la tierra se acaba la diversión"
-“¡La sopa es a la niñez lo que el comunismo es a la democracia!”
-"Lo malo de la gran familia humana es que todos quieren ser el padre”
-"Quiero felicitar a los países que conducen la política mundial. Así que espero que alguna vez haya motivos"

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Fuente: La Verdad

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Palacios madrileños se podrán visitar gratis presentando un billete de Metro

Ciudad de Madrid, España

Los usuarios sólo tendrán que presentar un billete de metro o el abono transporte válido, pudiendo acceder a siete palacios de la capital.

Metro de Madrid ha presentado este domingo la primera edición de la 'Ruta de los Palacios', una iniciativa por la que, durante el mes de octubre y de forma gratuita, los madrileños podrán realizar, utilizando el transporte público, un recorrido cultural por la vida palaciega del Madrid de los siglos XVIII, XIX y XX.

A través de esta iniciativa, que es fruto de la colaboración de los palacios implicados, se podrá acceder al Palacio de Fernán Núñez, a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, al Museo Lázaro Galdiano, al Museo del Romanticismo, el Museo Cerralbo, al Museo Sorolla y al Museo Nacional de Artes Decorativas.

Para disfrutar de esta ruta, los usuarios sólo tendrán que presentar un billete de metro o el abono transporte válido, pudiendo acceder a siete palacios de la capital. Además de la entrada gratuita, podrán participar de un juego de pistas autoguiado, contemplar una proyección en 3D y ser obsequiados con algunos regalos.

El consejero de Transportes e Infraestructuras de la Comunidad de Madrid, Antonio Beteta, ha asistido a la presentación de esta iniciativa que consiste en "un viaje por la historia de Madrid a través del suburbano" y ha señalado que el objetivo pasa por "promover el transporte público y la cultura conociendo cómo era la vida en los palacios madrileños desde el siglo XVIII hasta el pasado siglo XX".

Además, ha explicado que "todos los que consigan completar la ruta de los siete palacios podrán participar en un sorteo de diez lotes de libros". Para ello, deberán completar las historias del pasaporte creado para la ocasión y sellar su asistencia. Este pasaporte podrá recogerse en los palacios, en las estaciones de Metro cercanas o en los Centros de Atención al Viajero de Metro de Madrid.

Todos los madrileños que se animen a contar sus experiencias (historias o fotos) durante sus visitas a los palacios, a través de Facebook, participarán en el sorteo de cinco lotes de libros. Esta iniciativa contará también con un 'blog' en el que participantes y palacios intercambiarán noticias y experiencias.

MAPA DE LA RUTA

El Palacio Fernán Núñez, ubicado entre las estaciones de Atocha y Antón Martín, en Línea 1, podrá visitarse los días 2, 9, 16, 23 y 30 de octubre. Además, los días 6 y 27, se podrá visitar la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, hasta la que llevan las líneas 1, 2 y 3 (estaciones de Sol y Sevilla).

El Museo Lázaro Galdiano se une a esta iniciativa los días 3, 10, 17, 24 y 31 de octubre. A él puede llegarse desde la estación de Rubén Darío, en Línea 5; Gregorio Marañón, líneas 7 y 10; y la estación de Avenida de América, a través de las líneas 4, 6, 7 y 9.

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ofrecerá a los clientes de Metro una visita guiada del Museo, los días 6 y 27 de octubre desde las 10 hasta las 13 horas, cada hora.

Los días 7, 8, 11 y 18 de octubre, el Museo del Romanticismo permitirá la entrada gratuita a los clientes de Metro, que podrán realizar una visita guiada y participar en un juego de pistas para niños y mayores. Para ello, los clientes podrán utilizar las líneas 4, 5 y 10 hasta la estación de Alonso Martínez, o las líneas 1 y 10 hasta la estación de Tribunal.

Las líneas 3 y 10, hasta Plaza de España, y la 3 hasta Ventura Rodríguez, llevan al Museo Cerralbo, que facilitará la entrada y una audioguía gratuita a los usuarios de Metro que quieran participar en la Ruta los días 13, 14 y 15 de octubre.

El Museo de Sorolla permitirá la entrada gratuita a los clientes de Metro desde el 25 hasta el 29 de octubre. Durante esos días tendrán lugar las visitas especiales 'Ven a conocer la casa del artista' a las 18.30 horas los días 25, 26 y 28, y a las 12.30 horas el día 29 (es necesaria reserva). A este museo puede llegarse a través de las estaciones de Iglesia, en línea 1; la línea 5, Rubén Darío; y de la estación de Gregorio Marañón, líneas 7 y 10.

Por último, el Museo Nacional de Artes Decorativas, al que puede llegarse a través de las estaciones de Banco de España y Retiro, en línea 2, participa en esta iniciativa los días 20, 21 y 22 de octubre.

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Fuente: MadridPress

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